Inspirando-se na obra poética e musical do dramaturgo alemão Bertold Brecht, mais especificamente na icônica “Mãe Coragem”, o Grupo Galpão, um dos mais longevos e consagrados da história do teatro brasileiro, celebra 40 anos de trajetória. No espetáculo Cabaré Coragem, o Galpão retorna às suas origens de teatro popular e de rua, misturando dramaturgia, música e dança, para tocar em questões como a desigualdade social e as implacáveis regras do sistema capitalista. A obra apresenta uma trupe envelhecida e decadente que, apesar das intempéries e dos revezes, reafirma a arte como lugar de identidade e permanência. Ao mesclar um repertório de músicas interpretadas ao vivo com números de variedades e danças, fragmentos de textos da obra de Brecht e cenas de dramaturgia própria, o Cabaré Coragem convida o público a uma viagem sonora e visual.

GRUPO GALPÃO 

Criado em 1982, em Belo Horizonte, com a proposta de construção de um teatro de grupo, de pesquisa e com raízes profundamente populares, o Galpão alia rigor, investigação e busca de linguagens em montagens de grande poder de comunicação com o público. Os espetáculos do grupo propõem o diálogo entre o popular e o erudito, tradição e contemporaneidade, universal e regional brasileiro. A companhia é formada por 12 atores que, ao longo de mais de 40 anos de estrada, vêm trabalhando sob a direção de diferentes encenadores, como Gabriel Villela, Cacá Carvalho, Paulo José, Yara de Novaes e Márcio Abreu, além dos próprios integrantes do grupo, como é o caso de Cabaré Coragem, cuja direção é de Júlio Maciel. 

Os números do Grupo Galpão impressionam: 26 espetáculos ao longo de 41 anos de trajetória, 1.900.000 de espectadores, 100 prêmios brasileiros, 19 países, 67 festivais nacionais e 172 festivais internacionais.

Com Antonio Edson, Eduardo Moreira, Inês Peixoto, Luiz Rocha, Lydia Del Picchia,

Simone Ordones, Teuda Bara

Direção: Júlio Maciel

Direção musical, arranjos e trilha sonora: Luiz Rocha

Diretor Assistente: David Maurity

Cenografia e figurino: Márcio Medina

Dramaturgia: Coletiva

Supervisão de dramaturgia: Vinícius de Souza

Direção de cena e coreografia: Rafael Bacelar

Iluminação: Rodrigo Marçal

Adereços e pintura de arte: Marney Heitmann

Preparação corporal e do gesto: Fernanda Vianna

Preparação vocal: Babaya

Assistência de figurino: Paulo André e Gilma Oliveira

Assistência de cenografia: Vinícius de Andrade

Assessoria de iluminação: Marina Arthuzzi

Direção de Experimentos Cênicos: Ernani Maletta, Luiz Rocha e Cida Moreira

Colaboração artística: Paulo André e João Santos

Maquiagem e perucaria: Gabriela Dominguez

Assistente de maquiagem e perucaria: Ana Rosa Oliveira

Construção cenário: Artes Cênica Produções

Confecção de figurinos: Taires Scatolin

Instalação de luminárias cênicas: Wellington Santos

Coordenação de Comunicação: Fernando Dornas

Assistente de comunicação: Izabella Bontempo

Assessoria de Imprensa: Polliane Eliziário (Personal Press)

Comunicação on-line: Rizoma Comunicação & Arte

Fotos: Mateus Lustosa

Registro e cobertura audiovisual: Alicate

Projeto gráfico: Filipe Lampejo e Rita Davis

Operação de luz: Rodrigo Marçal

Sonorização e operação de som: Fábio Santos

Assistente técnico: William Teles

Assistente de produção: Idylla Silmarovi

Produção Executiva: Beatriz Radicchi

Direção de Produção: Gilma Oliveira

Produção: Grupo Galpão

*Músicas Alabama Song, Moritat, Singapura e Tango dos Açougueiros Felizes

- Arranjos Ernani Maletta.

* Fragmento do texto Discurso sobre Nada de Marcio Abreu.

Capacidade do Teatro: 327 lugares

Duração: 90 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 16 anos

* Sessão com audiodescrição no dia 19/10

Um arquivo performativo, vivo e diverso, no qual a ação de ler textos, paisagens, objetos, acontecimentos e memórias ao longo do tempo constitui um exercício radical de enfrentamento à palavra como material de composição da cena. Partindo da obra literária e dramatúrgica do irlandês Samuel Beckett, as atrizes buscam nas palavras refúgio para lidar com os vestígios do isolamento e da extinção. 

TEATRO DO CONCRETO

Fundado em 2003, o Concreto é um grupo de Brasília que reúne artistas interessados em dialogar com a cidade e seus significados simbólico e real por meio da criação cênica. Assume, desde sua origem, a diversidade e a pesquisa como princípios de gestão e composição artística, mobilizando criadores de diversas regiões do Distrito Federal e aprofundando a interação com diferentes artistas e áreas do conhecimento. Suas criações se orientam pela perspectiva do processo colaborativo e se caracterizam, principalmente, pela elaboração de uma dramaturgia própria, pela radicalização no uso de depoimentos pessoais, pela investigação da cena no espaço urbano, pela relação com as práticas da performance e pela busca por diferentes modos de engajar o espectador. Ao longo de sua trajetória, o grupo estreou 9 espetáculos e intervenções cênicas, publicou 3 obras de referência para o campo da pesquisa teatral e realizou diversos projetos de interação com a comunidade, consolidando-se como referência para o teatro de grupo na região Centro-Oeste.

As principais criações do grupo são “Sala de Espera” (2003); “Borboletas Têm Vida Curta” (2006); “Diário do Maldito” (2006); “Inútil Canto E Inútil Pranto Pelos Anjos Caídos” (2007); Entrepartidas (2010); “Mirante” (2010); “Extraordinário” (2014), “Festa de Inauguração” (2019) e “Se eu falo é porque você está aí” (2022). 

Criação e atuação: Gleide Firmino e Micheli Santini

Direção e pesquisa de dramaturgia: Márcio Abreu e Glauber Coradesqui

Colaboração artística: João Turchi

Criação sonora: Felipe Storino

Direção técnica: Rodrigo Fischer 

Assistente de produção: Deni Moreira

Produção executiva: Junior Cecon

Capacidade de público: 80 lugares

Duração: 90 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 16 anos

* Sessão com tradução em libras no dia 21/10

Espetáculo que apresenta os cruzamentos poéticos entre o teatro gestual, as artes plásticas e o audiovisual e que celebra os 25 anos de trajetória da Cia Dos à Deux. Em “Enquanto você voava, eu criava raízes” nenhuma palavra é dita e a dramaturgia é guiada pelos corpos em diálogo com as artes visuais, o cinema, a dança e o teatro. Nesse navegar por várias linguagens, os significados também se apresentam diversos e chegam ao público em camadas múltiplas e plurais. Assim, entre sonho e realidade, somos apenas um emaranhado de sombras e luzes, diante do imensurável, da imensidão e do mistério do abismo. O espetáculo é uma caminhada e, a um só tempo, perturba as percepções do espectador, revelando a força do onírico. Um tempo-espaço em que o amor e a cura são manifestações de nossa consciência para além dos medos, angústias e feridas profundas. E um universo cenográfico que nos transporta para um oráculo, um portal, o tempo suspenso de um sonho nos conduz aos nossos próprios sonhos, aos nossos próprios abismos. Uma experiência para ver com os ouvidos e ouvir com olhos. “Enquanto você voava, eu criava raízes” fez um mês de temporada no Festival de Avignon, França.

CIA DOS À DEUX 

Há 25 anos, André Curti e Artur Luanda Ribeiro se conheceram em Paris e decidiram começar uma pesquisa teatral e coreográfica, tendo como inspiração a obra “Esperando Godot”, de Samuel Beckett. O trabalho, intitulado “Dos à Deux”, veio a dar nome à companhia e, apresentado no Festival de Avignon, provocou reconhecimento imediato da crítica e dos curadores, o que levou a companhia a todos os países da Europa, além da África, América do Sul, Coreia do Sul e Índia, num total de mais de 50 países em 3 mil apresentações e um repertório que inclui nove trabalhos. Desde 2015, a Dos à Deux passou a ter duas sedes: uma em Paris e outra no Rio de Janeiro.

Espetáculo premiado em diversas categorias do Prêmio APTR (melhor espetáculo, melhor cenografia e melhor música), Cesgranrio e Shell. A companhia arrebatou plateias em mais de 50 países. Depois de mais de duas décadas instalada na França, desde 2015 a Cia. Dos à Deux passou a ter duas sedes: uma em Paris e outra no Rio de Janeiro. 

Direção, dramaturgia, cenografia, coreografia e performance: André Curti e Artur Luanda Ribeiro

Música original: Federico Puppi

Iluminação: Artur Luanda Ribeiro

Cenotecnia: Jessé Natan e VRS

Assistentes de cenotécnica: Bruno Oliveira, Eduardo Martins e Rafael do Nascimento

Criação de objetos: Diirr

Criação videográfica: Laura Fragoso

Imagens: Miguel Vassy e Laura Fragoso

Figurino: Ticiana Passos

Operação de som e vídeo: Gabriel Reis

Operação de luz: Denys Lima

Contrarregragem: Iuri Wander

Técnico de vídeo: Lesley Oliveira

Preparação/criação percussiva: Chico Santana

Costura da caixa preta: Cris Benigni e Riso

Costura dos figurinos: Atelier das Meninas

Assessoria de imprensa: Paula Catunda

Mídias sociais: Mariã Braga

Designer gráfico: Dante

Fotos: Nana Moraes e Renato Mangolin

Coordenação administrativo-financeira: Alex Nunes e Patrícia Basílio

Produção executiva: Ártemis e Alex Nunes

Direção de produção: Sérgio Saboya e Silvio Batistela - Galharufa Produções

Realização: Cia Dos à Deux

Capacidade do Teatro: 

Duração: 55 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 18 anos

Espetáculo que celebra os 35 anos da Cia. dos Atores, “Julius Caesar – Vidas Paralelas” inspira-se na obra de William Shakespeare, publicada originalmente em 1599, para falar da miséria humana na luta pelo poder. Utilizando-se da metalinguagem, o trabalho apresenta uma analogia entre os personagens da tragédia clássica e atores de um grupo de teatro que convivem há décadas e decidem encenar o texto shakespeariano. Na trama original, no ano 44 a.C., prestes a ser entronizado imperador, Júlio César é brutalmente assassinado por um complô de antigos apoiadores. Na versão da companhia, a macropolítica se espelha na micropolítica, nos ensaios de um grupo teatral, refletindo os medos, frustrações, angústias, decepções e as vaidades pessoais cotidianas que precisam ser deixadas de lado em nome do coletivo. O aposto “Vidas Paralelas” não só faz alusão a esse diálogo entre passado e presente, mas também presta um tributo ao título do livro do filósofo e historiador grego Plutarco, que inspirou Shakespeare a escrever a sua versão da tragédia.

CIA. DOS ATORES 

Formada pelos atores Cesar Augusto, Gustavo Gasparani, Marcelo Olinto, Marcelo Valle, Susana Ribeiro e Bel Garcia (in memorian), a Cia. dos Atores mantém-se em atividade ininterrupta desde 1998, tendo recebido os principais prêmios do teatro brasileiro. Seu repertório inclui mais de uma dezena de espetáculos, como “Melodrama”, “A Morta”, “O Rei da Vela”, “A Bao A Qu (Um Lance de Dados)”, “Conselho de Classe” e “Insetos”. Mantendo o mesmo núcleo de atores, esse grupo carioca, além de ter representado em festivais nacionais e internacionais, foi responsável pela direção artística de dois teatros da rede municipal da prefeitura do Rio de Janeiro: Teatro Ziembinski e Espaço Cultural Municipal Sérgio Porto. 

Criada no final dos anos 80 por oito jovens atores, a companhia já recebeu os mais importantes prêmios de teatro do país - Shell, APCA, Molière, APTR, CESGRANRIO, MAMBEMBE, SHARP, além do prêmio da crítica francesa como melhor espetáculo estrangeiro, com Ensaio.HAMLET, em 2006. A Cia dos Atores se apresenta em festivais por grande parte do país e realiza turnês internacionais.

Dramaturgia e direção: Gustavo Gasparani

Elenco: Cesar Augusto, Gabriel Manita, Gilberto Gawronski, Isio Ghelman, Lucas da Purificação e Suzana Nascimento.

Direção de produção: Claudia Marques – Fábrica de Eventos

Cenografia: Beli Araújo

Figurinos: Marcelo Olinto

Iluminação: Ana Luzia De Simoni

Direção de Vídeo Cenário: Batman Zavareze

Direção musical e trilha sonora composta: Gabriel Manita

Operador de luz: Leandro Barreto

Operador de som: Betto Britto

Operador de vídeo: Heber Dias

Camareira: Paty Ripoll

Capacidade do Teatro: 327 lugares

Duração: 120 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 12 anos

A obra - “Antes do Amanhecer”, em português - apresenta uma dança de metamorfose, onde a escuridão se funde com a claridade. Por meio de sua própria transformação, Yumiko ilumina os segredos dos corpos humanos durante seu mergulho no interior de seu imaginário pessoal. E o que ela nos traz à tona, poderia ser definido como a "janela" que ela nos oferece para que nos reconheçamos como seres humanos. Portanto, os estados corporais e emocionais que ela compartilha com o público, derivariam daqueles pelos quais ela passou em seu mergulho. Criaturas escondidas nas memórias esquecidas começam a reviver alegremente. Algo grotesco, mas estranhamente belo, chama a atenção. O espectador se sente cativado por esta estranha força, uma fonte de escuridão e luz. O público então testemunha um universo cujos protagonistas são o movimento perpétuo e a mudança incessante e onde até mesmo a imobilidade é extremamente expressiva. Tudo está prestes a renascer.

YUMIKO YOSHIOKA 

Dançarina, coreógrafa, professora e diretora, Yumiko Yoshioka é nascida em Tóquio e residente na Alemanha desde 1988. No fim dos anos 1970 tornou-se membro da primeira companhia japonesa de butô composta apenas por mulheres, a Ariadone. Em 1978, atuou, junto com Ko Murobushi  e Carlotta Ikeda em Le Derbies Eden, em Paris, que ficou registrada como a primeira performance de butô fora do Japão. 

Realizou turnês internacionais pela Ásia, Europa, Oceania e Américas do Sul e do Norte. Além disto, de 1995 a 2019, foi diretora do “eX...it! - Festival Internacional de Butô e Intercâmbio de Dança” que, a cada edição, reúne mais de 100 artistas, bailarinos e estudantes vindos do mundo inteiro. 

“Before the Dawn de Yumiko Yoshioka é uma das peças mais espetaculares, inspiradoras e requintadas que já vi até agora na temporada 2022-2023. (Luis Alberto Sosa Berlanga, Nov 26, 2022 - Teatro TNT (Sevilla) - achtungmag.com) 

Direção, coreografia e interpretação: Yumiko Yoshioka

Música: Zam Johnson, Kenichi Takemumra

Luz: delta RA’i, Joaxhim Manger

Capacidade do Teatro: 327 lugares

Duração: 65 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 16 anos

Espetáculo sobre a estruturação do racismo e do apagamento das memórias e ancestralidades negras que estão enraizadas no Brasil. A montagem conta somente com um ator e um batom para tratar da urgência da vida negra no país. O preconceito contra os povos pretos é abordado em cena a partir do relato de um homem-preto que busca respostas para o racismo que rodeia seu cotidiano e a história de sua comunidade. A obra se desenrola num fluxo de pensamentos, desabafos e elucidações, que surgem em cenas pautadas em episódios da história brasileira até chegar aos relatos e estatísticas das mães e famílias dos jovens negros presos ou executados pela polícia militar no Brasil de 1500 até 2023. Também são abordadas situações vividas por grandes artistas negros como Elza Soares, Machado de Assis e Bessie Smith. Os questionamentos desse homem negro convidam o público a pensar e debater sobre os preconceitos mascarados, que existem na estruturação e no cotidiano brasileiro. Com a pandemia do COVID-19, esses números se agravam e aumentam, evidenciando o grande desequilíbrio social no qual o Brasil se estrutura. Macacos tem o cuidado de incorporar as histórias de situações de racismo ocorridas nos locais onde o espetáculo é encenado, renovando a narrativa a cada apresentação. 

CIA DO SAL 

Companhia criada em 2016, por ocasião da estreia da peça “Macacos”. O grupo hoje é formado por atores e atrizes pesquisadores da cena, vindos da Escola de Arte Dramática da USP - EAD, Escola Livre de Teatro de Santo André - ELT e Célia Helena. A Companhia é formada por negros, brancos, trans, gays, héteros, paulistanos, cariocas e nordestinos que pesquisam seus anseios dentro do coletivo. 

O espetáculo conquistou mais de uma dezena de prêmios, como o Shell e o APCA de Melhor Ator para Clayton Nascimento. Clayton Nascimento é dramaturgo, ator, professor e diretor de teatro. Nascido no Piauí e criado em São Paulo, graduou-se pela Universidade de São Paulo (USP), além de ter cursado a escola Célia Helena Centro de Artes e Educação/SP e a Escola de Artes Dramáticas da USP - EAD. Atualmente, é mestrando em História do Teatro pela Escola de Comunicações e Artes da USP e atua na novela “Fuzuê”, da TV Globo.

Atuação, direção e dramaturgia: Clayton Nascimento

Direção técnica/iluminação: Danielle Meireles

Provocação cênica: Ailton Graça

Direção de movimento: Aninha Maria Miranda

Produção geral: Ulisses Dias - Bará Produções

Produção executiva: Corpo Rastreado

Capacidade do Teatro: 327 lugares

Duração: 180 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 14 anos

Livre adaptação para o teatro da obra “1984”, do autor britânico George Orwell. Numa encenação híbrida, mesclando performance teatral e tecnológica, o trabalho leva para a cena o ambiente distópico criado em 1948 pelo escritor, para discutir o totalitarismo. Numa cidade fictícia, num tempo futuro, a sociedade vive sob severa vigilância de um sistema opressor, que utiliza a tecnologia para privar as pessoas da liberdade de agir e pensar. De maneira onipresente e personificada no “Grande Irmão”, o governo e suas elites controlam comportamentos, perseguem até mesmo a liberdade de pensamento e procuram reescrever a história, omitindo ideias e fatos do passado. 

ATA – AGRUPAÇÃO TEATRAL AMACACA 

Coletivo reunido em 2009, a partir de uma disciplina do curso de Artes Cênicas da Universidade de Brasília, que se tornou um grupo de pesquisa fechado sob a condução de Hugo Rodas. Apoiado pela Universidade de Brasília, após 3 anos de treinamento, o ATA estreou “Ensaio Geral”, espetáculo com o qual a companhia circulou por diversos festivais, sendo visto por milhares de pessoas. Seguiram-se “Punaré & Baraúna”, “Os Saltimbancos”, “O Rinoceronte” e “Poema confinado”, sempre sob a batuta de Rodas, e mais recentemente “Futuro do Passado”, dirigido pelo ator Abaetê Queiroz. Em “2 + 2 = 5”, o ATA terá a direção do carioca Felipe Vidal.

A companhia foi criada pelo professor, diretor e encenador Hugo Rodas. Desde sua estreia, em 2012, a ATA acumula prêmios e indicações, com temporadas nos principais palcos do Distrito Federal. Felipe Vidal é diretor teatral e ator. Ganhou o Prêmio Shell 2017 por “Cabeça” (um documentário cênico). Foi indicado aos Prêmios Shell e APTR de 2012, na categoria especial. Dirigiu 26 espetáculos e fez participações no cinema e TV como ator e preparador de atores.

Realização: ATA - Agrupação Teatral Amacaca

Direção: Felipe Vidal

Elenco: Abaetê Queiroz, Camila Guerra, Dani Neri, Flávio Café, Iano Fazio, Juliana Drummond, Mateus Ferrari, Márcia Duarte, Pedro Tupã e Rosanna Viegas

Produção Executiva: Guinada Produções

Coordenação Técnica: Rodrigo Lélis

Coordenação Audiovisual: Santiago Dellape

Coordenação Administrativa: Camila Guerra

Assistente de Produção: Dani Neri

Encenação: O grupo

Designer Gráfico: Patrícia Meschick

Patrocínio: FAC - Fundo de Apoio à Cultura do DF

Capacidade de publico: 80 lugares

Duração: 100 minutos

Classificação Indicativa: não recomendado para menores de 14 anos

* Sessão com audiodescrição no dia 28/10