Programação

Denise Fraga, Luiz Villaça e Rafael Gomes – São Paulo

Acompanhada por uma banda formada só por mulheres, a atriz carioca Denise Fraga comemora 35 anos de trajetória com o espetáculo solo Eu de Você. A obra é baseada em histórias reais, costuradas com pérolas da literatura, música, imagens e poesia. O espetáculo rompe as fronteiras entre palco e plateia, entre fato e ficção, embalando a vida cotidiana pela arte teatral. “Que seria de nós sem os poetas? E o que seria deles sem a vida comum? O que têm em comum a Cris, o Paulo Leminski e o Zezé di Camargo? Tchekhov, eu e Francisco? Pelo que a avó do Felipe estava chorando enquanto os Beatles compunham mais uma canção? O que fará o Wagner quando ouvir o que Chico Buarque fez com o seu também coração partido? Costumo dizer que a arte ajuda a gente a viver, que quem lê Dostoievski e Fernando Pessoa, no mínimo, vai sofrer mais bonito. Porque sofrerá com companhia, sofrerá com a cumplicidade dos poetas. Entenderá que fazemos parte de algo maior, que pertencemos à roda da humanidade, seus dilemas eternos e sua fatídica imperfeição” – ressalta Denise Fraga. 

Embora seja um solo, a atriz estará acompanhada de personagens inspirados em histórias reais: Fátima, Bruno, Clarice, Wagner, além de diversos artistas de grande reconhecimento, tecendo um bordado de vida e arte. O convite é para ver o outro, olhar pelo olhar do outro, deixar-se atravessar pelas experiências do outro e aprender com isso. Na obra, a atriz interpreta mais de 10 canções, como O Cordão (Chico Buarque), Suspicious Minds (Elvis Presley) e Yolanda (Chico Buarque e Pablo Milanez).

DENISE FRAGA  - Atriz e produtora, atua em teatro, cinema e televisão, tendo conquistado alguns dos mais importantes prêmios da área, como o Prêmio APCA, o Kikito do Festival de Gramado, o Candango do Festival de Brasília e o Coral do Festival de Havana. À frente da sua empresa “Nia Teatro”, há mais de dez anos apresenta espetáculos em periferias e em grandes centros urbanos, chegando a mais de 700 mil espectadores.

FICHA TÉCNICA

Idealização e Criação: Denise Fraga, José Maria e Luiz Villaça

Com Denise Fraga

Direção Luiz Villaça

Produção José Maria

Obra inspirada livremente nas narrativas de Akio Alex Missaka, Anas Obaid, Barbara Heckler, Bruno Favaro Martins, Clarice F. Vasconcelos, Cristiane Aparecida dos Santos Ferreira, Deise de Assis, Denise Miranda , Eliana Cristina dos Santos, Enzo Rodrigues, Érico Medeiros Jacobina Aires, Fátima Jinnyat, Felipe Aquino, Fernanda Pittelkow, Francisco Thiago Cavalcanti, Gláucia Faria, José Luiz Tavares, Julio Hernandes, Karina Cárdenas, Liliana Patrícia Pataquiva Barriga, Luis Gustavo Rocha, Maira Paola de Salvo, Marcia Angela Faga, Marcia Yukie Ikemoto, Marlene Simões de Paula, Nanci Bonani, Nathália da Silva de Oliveira, Raquel Nogueira Paulino, Ruth Maria Ferreiro Botelho, Sonia Manski, Sylvie Mutiene Ngkang, Thereza Brown, Vinicius Gabriel Araújo Portela, Wagner Júnior

Texto Final: Rafael Gomes, Denise Fraga e Luiz Villaça

Dramaturgia: Cassia Conti, André Dib, Denise Fraga, Fernanda Maia, Luiz Villaça e Rafael Gomes.

Colaboração dramatúrgica: Geraldo Carneiro, Kenia Dias, José Maria

Direção Musical: Fernanda Maia

Musicistas: Ana Rodrigues, Clara Bastos e Priscila Brigante

Direção de imagens em vídeo: André Dib

Direção de Movimento: Kenia Dias

Direção de Arte: Simone Mina 

Iluminação: Wagner Antônio

Programação de Vídeo Mapping: Bruna Lessa

Design e operador de som: Carlos Henrique

Assistente e operador de luz e vídeo mapping: Ricardo Barbosa e Michelle Bezerra

Produção das imagens em video: Café Royal

Produtora executiva: Adriana Tavares 

Fotógrafo: Thiago “Beck” de Vicentis 

Fotos para arte: Willy Biondani

Fotos de cena: Cacá Bernardes

Coprodução: Café Royal

Produção: NIA Teatro

Este espetáculo foi realizado por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura

DURAÇÃO: 90 MIN

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 12 ANOS

Janaína Leite – São Paulo

Uma investigação sobre o real no teatro, sob a égide do obsceno. Acompanhada da própria mãe e da figura de Príapo, personagem vivido por um ator pornô, Janaina Leite articula de forma radical temas historicamente inconciliáveis como maternidade e sexualidade. Tendo o terror e a pornografia como bases estéticas, Janaina  ensaia uma conversa sobre a história da Virgem Maria ao longo dos séculos, resgatando o esquecimento da presença de sua mãe em sua performance anterior, “Conversas com meu pai”. Onde estava a mãe? É a pergunta que se responde de maneira indireta através da Virgem Maria e o stabat mater, ou “a mãe estava ali”, numa referência ao poema do século XII, sobre a jovem mãe aos pés de seu filho sofrendo na cruz. A partir do texto teórico Stabat Mater, da filósofa e psicanalista Julia Kris Teva, a obra busca as origens de um acerto histórico entre o feminino e o masculino – refletido por exemplo no jogo carrasco x vítima –, que o trabalho tenta desarmar, através dos mecanismos rigorosos do prazer e da dor que sustentam estas posições. O trabalho parte de um jogo de dramatização ou psicodramatização de lembranças e sonhos, tendo como suporte um material teórico de uma suposta leitura, para investigar o conceito do corpo da mulher como um receptáculo.

JANAINA LEITE – Janaína é atriz, diretora e dramaturga, fundadora do Grupo XIX de Teatro, com o qual fez turnês por mais de 10 países. Referência da investigação sobre o uso do documentário e da autobiografia no teatro brasileiro, atualmente faz doutorado em artes cênicas, apoiada pela CAPES na ECA – Escola de Comunicação e Artes da USP/SP. Criou os espetáculos documentais "Festa da Separação: Um Documentário Cênico", "Conversas com Meu Pai", "Stabat Mater" e lançou o livro "Autoescrituras Performativas: Do diário à Cena" (Editora Perspectiva-SP), que consolidam sua investigação sobre teatro documental e autobiográfico. Coordena os grupos de estudo Feminino Abjeto e Memórias, Arquivos e (Auto) Biografias, realiza workshops e cursos em reconhecidas instituições brasileiras. Em 2018, foi curadora artísticas do Festival Internacional de São José do Rio Preto-SP. Atualmente, trabalha com o grupo de investigação Feminino Abjeto 2 – O vórtice do Masculino, composto por 37 homens e recentemente estreou História do Olho – Um Conto de Fadas Pornô-noir, na MITsp.

FICHA TÉCNICA

Concepção, Direção e Dramaturgia: Janaina Leite

Performance: Janaina Leite, Amália Fontes Leite e Príapo

Participações especiais: Príapo Amador/Lucas Asseitune e Príapo Profissional/Loupan

Dramaturgismo e Assistência de Direção: Lara Duarte e Ramilla Souza

Assistente Geral: Luiza Moreira Salles

Colaboração em dramaturgia: Lillah Hallah

Direção de Arte: Melina Schleder

Projeto de Iluminação: Paula Hemsi

Instalação e edição de vídeo: Laíza Dantas

Som e operação de som e vídeo: Lana Scott

Operação luz: Jhenifer Santine

Preparação vocal: Flávia Maria Campos

Provocação cênica: Kênia Dias e Maria Amélia Farah

Concepção e Roteiro Audiovisual: Janaina Leite e Lillah Hallah

Diretor de fotografia: Wilssa Esser

Participação no vídeo: Alex Ferraz, Hisak, Jota, Kaka Boy, Mike e Samuray Farias

Identidade Visual, Projeções e Mídias sociais: Juliana Piesco

Fotos e registro em vídeo: André Cherri

Diretora de Produção e Circulação: Carla Estefan - Metropolitan Gestão Cultural

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 18 ANOS

DURAÇÃO: 110 MIN

Patrícia Del Rey – DF

Atividade gratuita. Sem necessidade de reserva ou agendamento

28/06 a 10/07, horário livre

508 sul, 708 sul e Praça 21 de Abril 

Projeto interdisciplinar que abrange as áreas das Artes Urbanas, Artes Cênicas e Literatura. Uma novela literária que aborda a beleza do amor – independente do seu formato -, a dor dos preconceitos, da homofobia, do machismo e a descoberta de se reinventar. A obra fala de Brasília, das relações e da experiência na cidade, com foco numa mulher que permeia relações que não se situam dentro da heteronormativadade. A dramaturgia é dividida em 17 capítulos e em cada um deles é possível escutar o relato da personagem, acompanhado de trilha sonora especialmente criada. A artista desenvolve um mapa afetivo dentro da cidade e aplica cartazes – com códigos QRs e formato lambe-lambe. Cada visitante recebe um mapa e cada código QR leva a um capítulo específico. Através desse mapa, o visitante percorre os trechos da obra e passeia pela cidade. Os lambes são colocados em locais definidos pela artista, traçando um percurso sensorial. É necessário que os espectadores levem celulares e fones de ouvido.

PATRÍCIA DEL REY – Formada em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília, é poeta urbana, atriz e performer. Fundadora da Andaime Cia de Teatro e Coletivo Transverso. Teve seus textos adaptados para criação do espetáculo “Poéticas Urbanas” pela Andaime Cia de Teatro. A peça circulou em diversos festivais de teatro nacionais e em Portugal. Teve suas poesias publicadas no livro “Atenção Isto pode ser um poema”, do Coletivo Transverso, lançado em 2018. As obras reunidas na publicação estão espalhadas pelas ruas de Brasília, São Paulo, Rio de Janeiro, Barcelona, Lisboa, Berlim, entre outras.

FICHA TÉCNICA
Dramaturgia: Patrícia Del Rey
Atrizes: Adriana Lodi e Patrícia Del Rey
Trilha Sonora: Luis Olivieri
CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 16 ANOS
DURAÇÃO: 60 MIN

Retirada do mapa do circuito no Espaço Cultural Renato Russo 508 Sul, com a produção do festival

Percurso sonoro. Atividade gratuita, sem necessidade de reserva ou agendamento

Elmano Sancho – Portugal

Ted Bundy foi um assassino em série norte-americano, executado na cadeira elétrica na Flórida, em 1989, aos 42 anos, acusado de, pelo menos, 30 assassinatos de mulheres, que ele estuprava e matava. Descrito como uma sociopata sádico, ele tirava prazer da dor e do controle que exercia sobre as vítimas. A semelhança física do ator e autor português Elmano Sancho com o serial killer foi o ponto de pesquisa que culminou no espetáculo A Última Estação, que se inspira na realidade para tratar de violência e desejo de transgressão.

Pela tradição judaica, dibbuk é o espírito ou demônio que habita o corpo de um indivíduo. Através da convocação, possessão e incorporação do criminoso, o intérprete se insurge contra a sociedade que reproduz frustração e exclusão. A tragédia ganha contornos da Via Crucis, as estações da Paixão de Cristo.

ELMANO SANCHO – Ator, encenador e dramaturgo, tem trajetória reconhecida por sua atuação no teatro, cinema e televisão de Portugal. Formado pela Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa, estudou ainda na Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madri, na Escola de Comunicação e Artes – ECA/USP, Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris e Saratoga International Theater Institute de Nova York. Já se apresentou em diversos países da Europa, Américas, Ásia e África, tendo sido indicado a célebres prêmios por suas atuações em Portugal.

FICHA TÉCNICA

Autoria: Elmano Sancho – Loup Solitaire

Interpretação: Elmano Sancho, Cheila Lima, Isadora Alves, Márcia Branco e Daniela Santos

Espaço cênico e figurinos: Renata Siqueira Bueno com a colaboração de Roberto Bueno
e Liana Axelrud

Desenho de luz: Alexandre Coelho

Adaptação e operação de luz: Pedro Nabais

Produção: Loup Solitaire

Espetáculo apoiado pela DGARTES e Fundação GDA

Parcerias: Companhia Olga Roriz e Fundação Mirpuri

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 16 ANOS
DURAÇÃO: 70 MINUTOS

Grupo Magiluth (PE)

A obra-prima do escritor e poeta João Cabral de Melo Neto "Morte e Vida Severina" (1954/55) atua como elemento propulsor do debate sobre construções, formações e interações sociopolíticas no Brasil e no mundo ao longo dos séculos XX e XXl. Em “Estudo Nº1 Morte e vida” estão a questão da migração em busca de condições "melhores" e da relação desses indivíduos com a terra, com o trabalho, com a morte e com o poder político; as questões climáticas, da seca e para além dela, e como isso tem afetado a(s) vida(s) em várias partes do mundo; a política, que enriquece os coronéis e quem está no poder, enquanto empobrece a população e não atende aos cuidados básicos; a precarização do trabalho e a uberização (e a ideia que a competição e a flexibilização só tem provocado mais desemprego e pauperização). Somos muitos Severinos. Um trabalho que fala sobre o Nordeste, mas também sobre dinâmicas de mudança em âmbito local, regional, nacional e, mesmo, mundial - mesmo que seja árdua a travessia de fronteiras.

GRUPO MAGILUTH - Fundado em 2OO4 na UFPE, o coletivo desenvolve um trabalho de pesquisa e experimentação, constante na cena teatral recifense, sendo apontado pela crítica e pela imprensa como um dos mais relevantes grupos teatrais do país. Realiza ações nos eixos de pesquisa, criação e formação artística, em constante diálogo com o território em que está inserido. Tem no histórico onze espetáculos, como "Aquilo que o meu olhar guardou para você" (2O12), "Dinamarca" (2O17) e "Apenas o Fim do mundo" (2O19). Circulou com seus trabalhos por 24 capitais brasileiras, além de ter realizado projetos de intercâmbio em Lisboa e Londres. 

FICHA TÉCNICA

Direção: Luiz Fernando Marques

Assistência de direção e Direção Musical: Rodrigo Mercadante

Dramaturgia: Magiluth

Elenco: Bruno Parmera, Erivaldo Oliveira, Giordano Castro, Lucas Torres, Mário Sergio Cabral

Produção: Magiluth e Amanda Dias Leite

Fotografia: Vítor Pessoa e Maria Beda

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 16 ANOS

DURAÇÃO: 80 MIN

03 e 04/07, às 21h - Teatro Galpão Hugo Rodas

Teatro do Concreto – DF

Inauguração de Brasília, 1960. Samuel Beckett escreve “Dias Felizes”, 1961. Caras pintadas e impeachment de Collor, 1992. Mangueira Diniz encena “Dias Felizes” num lago na capital do país, 1993. Chacina da Candelária, 1993. Uma atriz pede um minuto de silêncio pelos meninos da Candelária durante espetáculo numa oficina mecânica, 2006. Lula toma posse do seu segundo mandato, 2007. Uma oficina mecânica que servia de teatro é destruída, 2015. Dilma Rousseff é destituída do cargo de presidenta do Brasil, 2016. Os espaços se lembram de tudo. As atrizes também não se esquecem. A obra parte da montagem de “Dias Felizes” – feita pelo diretor Mangueira Diniz (já falecido), 1993, nas águas do Lago Paranoá – para realizar uma deriva pela cidade, evocando memórias de espetáculos feitos no espaço público da Capital, que nunca é a mesma, costurando-os com os acontecimentos políticos do país.

TEATRO DO CONCRETO – Fundado em 2003, é um grupo de Brasília que reúne artistas interessados em dialogar com a cidade e seus significados simbólico e real por meio da criação cênica. Suas criações se orientam pela perspectiva do processo colaborativo e se caracterizam, principalmente, pela elaboração de uma dramaturgia própria, pela radicalização no uso de depoimentos pessoais, pela investigação da cena no espaço urbano, pela relação com as práticas da performance e pela busca por diferentes modos de engajar o espectador. Ao longo de sua trajetória, o grupo estreou 9 espetáculos e intervenções cênicas, publicou 3 obras de referência para o campo da pesquisa teatral e realizou diversos projetos de interação com a comunidade.

FICHA TÉCNICA

Atrizes: Gleide Firmino e Micheli Santini

Performers convidados: Ana Rozita Pessoa, Dill Diaz, Lucinaide Pinheiro, Jeferson Alves e Raquel Fonseca

Dramaturgia: João Turchi

Direção: Francis Wilker e João Turchi

Iluminação: Higor Filipe

Trilha sonora: Bio Riff

Operação de câmera: Francielli Santini

Técnico de Vídeo: Robson Soares

Criação de vídeos: Thiago Sabino

Colaboração Artística: Glauber Coradesqui

Produção: Júnior Cecon

Realização: Teatro do Concreto

Este espetáculo foi comissionado pela Complexo Sul – Plataforma de intercâmbio internacional e estreou em novembro de 2020, no formato virtual.

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: LIVRE

DURAÇÃO: 60 MIN

ATA – Agrupação Teatral Amacaca – Hugo Rodas – DF

HOMENAGEM A HUGO RODAS

Adaptação da famosa obra de Eugène Ionesco, leva para a cena uma metáfora do “efeito manada” que indivíduos de uma determinada sociedade vivem, em um contexto de epidemia, que a leva ao colapso. Uma cidade pacata passa a ser perturbada pela estranha aparição de um rinoceronte. Logo, os bichos aparecem aos montes fruto da metamorfose de seus habitantes. Em meio a esse absurdo grotesco, um morador resiste em não se transformar em rinoceronte, no fluxo contrário ao comportamento da sociedade.
A comédia é uma ode à liberdade de pensamento e busca refletir sobre a cultura do ódio. Escrita após a Segunda Guerra Mundial, a peça é uma reflexão sobre como ideais fascistas adoecem um povo, cegando-o. 

Esta é a última direção de Hugo Rodas apresentada presencialmente. Durante o período da pandemia o grupo realizou alguns trabalhos on-line.

HUGO RODAS (1939-2022)  

Nascido no Uruguai e radicado no Brasil, Hugo Rodas firmou-se como um dos mais talentosos e importantes artistas de teatro de seu tempo, como ator, diretor, bailarino, coreógrafo, cenógrafo, figurinista e professor de teatro. Sua trajetória sempre esteve ligada aos coletivos e parcerias com os quais trabalhava, desde o Grupo Pitú, na década de 70; Antônio Abujamra, no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), e José Celso Martinez Corrêa, no Teatro Oficina, nos anos 1980; Teatro Universitário Candango (TUCAN), na década de 1990; Companhia dos Sonhos, nos anos 2000, e mais recentemente a Agrupação Teatral Amacaca (ATA), sua mais recente trupe, criada em 2011 e com a qual realizou encenações memoráveis como “Ensaio Geral” e “Punaré & Baraúna”.

FICHA TÉCNICA

Direção e Encenação: Hugo Rodas

Elenco: Abaetê Queiroz, André Araújo, Camila Guerra, Dani Neri, Gabriela Correa, Iano Fazio, Juliana Drummond, Luiz Felipe Ferreira, Nobu Kahi, Pedro Tupã e Rosanna Viegas

Produção Executiva: Luciana Lobato

Coordenação Técnica: Rodrigo Lélis

Assistente Técnico: Abaetê Queiroz

Assistente de Figurino: Luiz Felipe Ferreira

Assistente de Cenografia: Juliana Drummond

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 16 ANOS

DURAÇÃO: 70 MIN

Formiga Atómica – Portugal

A história de um homem e de uma manada de elefantes. Quando o homem morre, os elefantes fazem uma caminhada misteriosa a sua casa, para lhe prestar uma última homenagem: não era um homem qualquer, era um deles. “A Caminhada dos Elefantes” é sobre a existência, a vida e a morte, e o caminho que todos temos de fazer, um dia, para nos despedirmos de alguém. Um espetáculo que reflete sobre o fim, que é um mistério para todos nós, crianças ou adultos. A concepção do trabalho foi antecedida por um extenso trabalho de pesquisa junto de cerca de 200 crianças com idades entre os 6 e os 10 anos, através da realização de encontros e oficinas. 

FORMIGA ATÓMICA – Companhia de teatro fundada e dirigida por Inês Barahona e Miguel Fragata, trabalha com questões contemporâneas, em espetáculos dirigidos a todos os tipos de público. Dentre alguns destaques estão The Wall (2015), Montanha Russa (2018) e Fake (2020). A companhia faz turnês pela Europa, apresentando também versões francesas de três de seus espetáculos: A Caminhada dos Elefantes, Do Bosque para o Mundo (apresentado na abertura do Festival de Avignon, em 2018) e O Estado do Mundo (Quando Acordas). A Caminhada dos Elefantes circula também, desde 2020, com versões em alemão e espanhol.

FICHA TÉCNICA

Encenação: Miguel Fragata

Texto: Inês Barahona

Interpretação: Miguel Fragata

Cenografia e figurinos: Maria João Castelo

Música: Fernando Mota

Luz: José Álvaro Correia

Direção técnica: Pedro Machado

Produção: Formiga Atómica

Coprodução: Formiga Atómica, Artemrede – Teatros Associados, Centro Cultural Vila Flor, Maria Matos Teatro Municipal, Teatro Viriato

Projeto financiado por: República Portuguesa – Cultura / Direção-Geral das Artes

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 6 ANOS

DURAÇÃO: 50 MINUTOS

Companhia de dança Corpus Entre Mundos – DF

Entrada franca

Espetáculo gratuito. Sem necessidade de retirada antecipada de ingresso. Sugerimos chegar uma hora antes para garantir lugar.

“A gente se acostuma, mas não deveria”. Este trecho do poema “Eu sei, mas não devia”, de Marina Colasanti, inspira o espetáculo SEMUTSOC, que contextualiza os ciclos da vida e como a esperança motiva a busca do prazer de viver ao “desautomatizar” o cotidiano. Em cena, é destacada a vontade de ser e estar verdadeiramente consigo, sem se esquecer do outro e de como essa conexão é necessária para a existência. Como explica o diretor e coreógrafo Dilo Paulo, é “um despertar da potência individual e fortalecimento do coletivo, trazendo vida e ancestralidade à palavra no movimento Ubuntu: eu sou porque nós somos”.

A montagem traz diversas referências a ritmos, danças e elementos culturais afro-diaspóricos, com a pluralidade refletida no próprio elenco.

COMPANHIA DE DANÇA CORPUS ENTRE MUNDOS  - Criada em 2013, dentro do circuito acadêmico da Escola e Faculdade Angel Vianna, no Rio de Janeiro (RJ), pelo bailarino e coreógrafo angolano Dilo Paulo e pela bailarina e coreógrafa Lenna Siqueira. Dilo Paulo conquistou o primeiro lugar da terceira edição do prestigiado concurso Bounce, em 2011, de Angola, integrou o elenco da Cia Debora Colker e foi selecionado para compor o balé da abertura do programa Fantástico 2021, no Brasil. Lenna Siqueira é diretora de movimento e coreógrafa da Corpus entre Mundos, leciona como professora da escola Técnica em Dança Angel Vianna e ministra aulas de ballet Clássico, contemporâneo, afro house entre outras na sua plataforma digital – www.dilolenna.com.

FICHA TÉCNICA

Direção e coreografia: Dilo Paulo e Lenna Siqueira 

Bailarinos: Dilo Paulo, Bruno Gonçalves, Aime Rivero, Karina Araújo, Luana Vieira, Alef Gabriel, Thais Calmon, Lucas de Andrade, Natalia Lima, Lenna Siqueira, Ana Julia, Luiza Gusmão, Juliana uepa e Henrique Douglas.  

Figurinos: Ledilooks e Bruno Pupe

Trilha Sonora: Dilo Paulo

Fotografia: Tatiana Reis

Edição: diloproducoes

Texto: Lenna Siqueira, Dilo Paulo & Joceline Gomes

Produção: Dilo & Lenna, Anna Uchoa

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: Livre

DURAÇÃO: 46 MIN

Cia Lumiato – DF

Entrada franca

Espetáculo gratuito. Sem necessidade de retirada antecipada de ingresso. Sugerimos chegar uma hora antes para garantir lugar.

Inspirado na colonização da América e dos territórios do mundo todo, o espetáculo conduz o espectador a viajar por um tempo passado que encontra analogias contínuas com o presente. 2 MUNDOS conta a história do encontro de duas culturas opostas, onde se revelam os sentimentos e motivações mais profundas da humanidade. Quando no embate das diferenças explode a luta pela vida, a morte de um jovem acontece trazendo uma nova esperança. Na montagem, a companhia aprofunda a pesquisa na linguagem do teatro de sombras, utilizando a estética do cubismo para complementar a narrativa das imagens. 

CIA LUMIATO – Companhia criada em 2008, em Buenos Aires, Argentina, por Thiago Bresani e Soledad Garcia, durante sua formação como bonequeiros na Universidade de San Martin, onde estudaram várias linguagens do teatro de formas animadas, produzindo espetáculos, oficinas e apresentando-se em festivais da América Latina. É a primeira companhia a pesquisar, produzir e difundir o teatro de sombras na região centro-oeste do Brasil.

FICHA TÉCNICA

Direção e Cenografia: Alexandre Fávero

Assistente de Direção: Fabiana Bigarella

Ideia original e Argumento: Soledad Garcia

Atores/Sombristas: Thiago Bresani e Soledad Garcia

Trilha Sonora Original: Mateus Ferrari

Designer de som: Marcelo Dal Col

Pesquisa e construção do material cênico: Thiago Bresani e Soledad Garcia

Iluminação: Alexandre Fávero

Fotografia: Diego Bresani

Produção Geral: Thiago Bresani

Assistente de produção: Soledad Garcia

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 12 ANOS

DURAÇÃO: 50 MIN

Rodolfo Godoi (DF)

Um olhar sobre o avanço tecnológico a serviço da ampliação dos processos de exploração do ser humano pelo ser humano, aliado à financeirização da economia global. Übercapitalismo expressa cenicamente um conjunto de ideias e narrativas. Por um lado, busca dar vazão às reflexões teóricas e conceituais desenvolvidas no âmbito da sociologia, para descrever, analisar e criticar as relações de trabalho, exploração e desigualdades do mundo contemporâneo. Por outro, visa colocar em cena a realidade vivida por trabalhadoras e trabalhadores de entrega por aplicativos. As contradições do capitalismo e das ideologias de meritocracia são apresentadas nas vozes dos dois personagens principais: o Entregador e o Coach de finanças. O espetáculo mistura narrativas ficcionais com cenas que replicam materiais reais.

RODOLFO GODOI – Artista de teatro e sociólogo. Professor na Secretaria de Educação do DF e Mestre em Sociologia pela UnB. Fundador e Pesquisador no Instituto Cultura Arte e Memória LGBT+. É diretor e dramaturgo do espetáculo.

05 e 06/07: haverá sessão fechada exclusivamente para estudantes da rede pública, às 17h.

FICHA TÉCNICA

Direção e Dramaturgia: Rodolfo Godoi

Assistente de Direção: Kamala Ramers

Atores: Lupe Leal e Abaetê Queiroz

Direção de Arte: Thiago Sabino

Iluminação: Ana Quintas

Sonoplastia: Abaetê Queiroz

Preparador corporal: Marcos Davi

Fotógrafa: Pollyana Sá

Produção: Rodolfo Godoi e Kamala Ramers

Assistente de Produção: Daniel Madeira

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: LIVRE

DURAÇÃO: 60 MIN

Os Geraldos Teatro (SP)

A sessão do dia 05/06 será gratuita com retirada de ingressos pelo Sympla. Na sessão do dia 06/07 haverá cobrança de ingressos.

Encenação que traz a digital inconfundível do teatro do grande encenador Gabriel Villela e a poesia que caracteriza a escrita da autora Cláudia Barral. Em cena, a história de três irmãs que vivem às margens do Rio São Francisco. A mais nova das moças, às vésperas de seu noivado, apaixona-se por um estrangeiro e se põe a esperar por seu retorno durante tempo indeterminável. A trama se desenrola em função dessa espera e de um acontecimento fantástico, que contagia a todos e os faz viverem na expectativa de que algo mude em suas vidas.

GABRIEL VILLELA – Gabriel Villela já assinou a direção de mais de 50 espetáculos teatrais com os quais conquistou 12 Prêmios Shell, 3 Prêmios Molière, 3 Prêmios Sharp, 10 Troféus Mambembe, 6 Troféus APCA, entre outros. Um dos maiores diretores brasileiros da atualidade, já trabalhou com artistas como Milton Nascimento e Xuxa Lopes, dirigiu os maiores sucessos da trajetória do Grupo Galpão, de Belo Horizonte, e dirige, pela primeira vez, um espetáculo no interior paulista. 

OS GERALDOS – O grupo tem 14 anos de atuação, tendo conquistado 44 prêmios em festivais nacionais e internacionais e circulado por três países, nove estados brasileiros e 70 municípios. O coletivo atua em três frentes de trabalho: Criação Artística, Ações Formativas e Territórios Culturais. Também gerencia o Teatro de Arte e Ofício (TAO), um dos mais importantes espaços culturais de Campinas.

FICHA TÉCNICA

Direção, cenário e figurino: Gabriel Villela

Dramaturgia: Cláudia Barral

Iluminação: Richard Zaira

Assistentes de direção: Ivan Andrade e Zé Gui Bueno

Assistentes de figurino: José Rosa e Cristiana Cunha

Elenco: Carolina Delduque, Ciça de Carvalho, Douglas Novais, Everton Gennari, João Fernandes, Julia Cavalcanti, Gabriel Gonçalves, Gileade Batista, Paula Mathenhauer Guerreiro, Patrícia Palaçon, Railan Andrade, Valéria Aguiar e Vinicius Santino

Direção musical: Babaya Morais e Everton Gennari

Dramaturgia da voz: Francesca Della Monica

Preparação vocal e musical: Babaya Morais e Everton Gennari.

Costura: Ateliê de Dona Zilda Peres Villela

Iluminação: Cia Tecno - Richard Zaira

Fotografia: João Caldas

Maquiagem: Helô Cardoso

Design gráfico: Vanessa Cavalcanti

Operação técnica: Maristela Mota

Coordenação geral: Douglas Novais

Produção: Os Geraldos

Produção executiva: Tatiana Alves

Assistente de produção: Roberta Postale

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA:  14 ANOS

DURAÇÃO:  60 MINUTOS

       Patrocínio

Grupo Teatral Embaraça – DF

Entrada franca

Espetáculo gratuito.

Sem necessidade de retirada antecipada de ingresso. Sugerimos chegar uma hora antes para garantir lugar

Um trabalho que reflete sobre a sociedade e seus gostos, no quanto o afeto é dedicado a poucos. Duas mulheres pretas mergulham em suas histórias e trazem à tona o que foi construído por séculos. Uma dramaturgia viva, que evoca o não esquecimento e o enfrentamento de vários monstros. O espetáculo busca resgatar, através da poesia da cena, a subjetividade e humanidade destas mulheres que são tão violadas cotidianamente, fazendo com que o público tenha empatia com as histórias postas em cena e se debruce neste espaço de reunião, debate e cura que o teatro promove.

GRUPO TEATRAL EMBARAÇA – Criado em 2012, na Universidade de Brasília, quando atrizes negras se uniram para levar aos palcos dramaturgias que atravessam a negritude. As fundadoras, Fernanda Jacob e Tuanny Araujo, atuam, escrevem, dirigem e coordenam todas as fases de criação dos trabalhos. Com processos criativos multifacetados, o grupo mergulha em histórias que por vezes partem de universos pessoais e que constituem memórias coletivas, para propor reflexões e narrativas constantemente silenciadas e apagadas. O trabalho do grupo já foi visto por mais de 10.000 espectadores no DF e em diferentes estados brasileiros.

FICHA TÉCNICA

Direção e Texto: Fernanda Jacob e Tuanny Araujo

Dramaturgia: Fernanda Jacob e Tuanny Araujo

Provocador Cênico: Jonathan Andrade

Elenco: Fernanda Jacob e Tuanny Araujo

Direção Musical: Fernanda Jacob

Cenário: Marley Oliveira

Figurino: Tatiana Carvalhedo e Grupo Embaraça

Projeto de luz e operação: Manu Maia

Trilha musical gravada: Ramiro Galas

Operação de som: Léo Ribeiro

Produção: Carvalhedo Produções

Direção de Produção: Tatiana Carvalhedo

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 12 ANOS

DURAÇÃO: 50 MIN

Companhia Brasileira De Teatro – São Paulo

Novo espetáculo da companhia brasileira de teatro propõe uma reinvenção da linguagem cênica para contar histórias de diversos corpos. A peça tem uma estrutura de crônicas individuais, uma colagem de diferentes personagens, vivendo situações cotidianas e que, pela palavra, ganham outros significados e tons por meio da dramaturgia. O trabalho flagra os deslocamentos e travessias que ocorrem durante um dia ao redor de um apartamento. Oito pessoas de diferentes corpos, imagens sociais, referências, histórias de vida e mundos imaginados passam por ali e são a base para reflexões sobre a palavra e sua ausência, já que o espetáculo aposta em visualidades que comunicam ao público sem uso da linguagem textual e com música executada ao vivo. São múltiplas personalidades que podem (ou não) habitar um mesmo espaço, um mesmo corpo. Uma reinvenção da linguagem - misturando teatro, dança, música e performance - para dar conta dos velozes acontecimentos contemporâneos, com histórias de amor, de violência, de consumo, de corpos em transição, entre outros. 

companhia brasileira de teatro - Fundado pelo diretor e dramaturgo Marcio Abreu em 2000, o coletivo pesquisa novas formas de escrita e linguagem. A atual montagem, junto com PROJETO bRASIL e PRETO, compõem uma espécie de trilogia feita pela cia. para refletir territórios em que palavra e corpo são elementos indissociáveis, que usam da dinâmica da interação entre linguagens diversas e abordam temas ligados aos pensamentos decoloniais e às urgentes e vertiginosas transformações das sociedades contemporâneas.

FICHA TÉCNICA

Direção e Texto: Marcio Abreu

Dramaturgia: Marcio Abreu e Nadja Naira

Elenco: Fábio Osório Monteiro, Giovana Soar, Kauê Persona, Kenia Dias, Key Sawao, Rafael Bacelar, Viní Ventania Xtravaganza e Vitória Jovem Xtravaganza

Direção de produção e administração: José Maria e Cássia Damasceno

Iluminação e assistência de direção: Nadja Naira

Direção Musical e Trilha Sonora Original: Felipe Storino

Direção de Movimento: Kenia Dias

Cenografia: Marcelo Alvarenga | Play Arquitetura

Figurinos: Luiz Cláudio Silva| Apartamento 03

Vídeos | instalação "Antes de tudo": Batman Zavareze

Captação e edição dos vídeos | instalação "Antes de tudo": João Oliveira

Fotos: Nana Moraes

Programação visual: Pablito Kucarz

Captação de imagens do espetáculo: Clara Cavour

Colaboração artística: Cássia Damasceno, Grace Passô, José Maria e Rodrigo Bolzan

Distribuição Internacional: PLAN B – Creative Agency for Performing Arts        

Uma produção da companhia brasileira de teatro

Em coprodução com Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt am Main/GE, Théâtre Dijon Bourgogne – Centre Dramatique National/FR, A Gente Se Fala Produções Artísticas – Rio de Janeiro/BR, Passages Transfestival Metz/FR.

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 18 ANOS

DURAÇÃO: 110 MINUTOS

Miriam Virna e William Ferreira

Entrada franca

Espetáculo gratuito.

Sem necessidade de retirada antecipada de ingresso. Sugerimos chegar uma hora antes para garantir lugar.

Nos noticiários da cidade, o principal comentário é a presença de um super-herói indesejado. As informações circulam e chegam até uma quadra comercial de Brasília e suas quitinetes. Até então protegidos em suas “caixas de morar”, os habitantes e trabalhadores da região têm suas vidas cruzadas e alteradas por novos acontecimentos. Solidão, medo, angústias, sonhos, desejos são alguns dos aspectos humanos vivenciados nesse condomínio com a chegada do Super Só.

MIRIAM VIRNA – Artista multidisciplinar cujo trabalho abrange direção, atuação, composição, dramaturgia e educação. Foi vencedora do prêmio de melhor atriz pelo Zilka Salaberry (2010) por sua atuação em “Fragmentos de Sonhos do Menino da Lua”, bem como indicada pela sua dramaturgia. Como diretora, recebeu o Prêmio SESC do Teatro Candango com “As Ridículas de Molière” (2008) e “Contos de Alcova” (2006) que conquistaram Melhor Espetáculo, Trilha Sonora e Figurino.

WILLIAM FERREIRA – Bacharel em artes cênicas pela UnB, diretor, ator, performer, bailarino profissional além de atuar como cenógrafo e figurinista. Atuou com renomados mestres de dança e teatro no Brasil e no exterior. Como ator, trabalhou sob direção de Mathew Lenton (Escócia), Hugo Rodas, Marcelo José (Portugal), Paul Heritage, Adriano e Fernando Guimarães, Guilherme Reis, Miriam Virna e muitos outros em 32 anos de carreira. Dirigiu espetáculos premiados como “Cartas de um Sedutor”, “Cabaré das Donzelas Inocentes” e “A Obscena Senhora D”.

FICHA TÉCNICA

Textos e Canções: Miriam Virna

Direção: Miriam Virna e William Ferreira

Elenco: Elisa Carneiro, Lupe Leal e Miriam Virna

Direção Musical, arranjos e sonoplastia: Samuel Mota

Arranjos das faixas ResgateTurco e Super Só: Sascha Kratzer

Vídeos e projeções: João Angelini

Cenário: Maíra Carvalho e William Ferreira

Figurino: Maíra Carvalho e Marcus Barozzi

Visagismo: Marcus Barozzi

Iluminação: Dalton Camargos

Preparação corporal: Eloisa Rosa

Coreografias: Eloisa Rosa (Lavanderia Bailarina ) e Gustavo Letruta (Quem tem medo de Virginia Wolf e Lavanderia Bailarina)

Dramaturgista: Daniela Diniz

Fotografia: Diego Bresani

Direção de produção: Aline Cardoso

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 14 ANOS

DURAÇÃO: 95 MIN

Daniel Veronese – Argentina

Adaptação de Daniel Veronese que parte de dois textos narrativos de David Foster Wallace e de uma dramaturgia biodramática escrita por Marcus Lindeen. Nesse encontro estão dois personagens, A e B. Dois atores que interagem e que durante oito breves encontros irão alternando papeis. Os temas são vários, mas todos apontam para a condição masculina contemporânea, que aparece num encontro com uma mulher. Um olhar desprovido de testemunhas, um ringue sem público, um confronto com armas perigosas e indevidas, que em algum lugar e em algum momento começaram a ser permitidas. Uma lupa sobre a falta de comunicação entre os gêneros, sobre a enorme distância que falta percorrer. Sobreposição, intimidação, degradação. Neste terreno se desenvolve a obra. Com diferentes mecanismos, a encenação tem a particularidade de tratar temas socialmente ásperos do cotidiano. São temas incômodos, íntimos e familiares. Lugares onde nem sempre é fácil submergir. São um chamado angustiante e amoroso à aberrante hipocrisia que governa os seres humanos. 

DANIEL VERONESE – Nascido em Buenos Aires, é ator, dramaturgo e encenador. Em 1989, criou o grupo Objectos Periféricos, teatro de objetos, com o qual apresentou, no ano seguinte, uma versão para Ubu Rei, totalmente apresentada com fantoches. Curador dos I, II e III Festival Internacional de Buenos Aires, tem participado de numerosos festivais internacionais. Em 2013, foi premiado com o Max Ibero, por desenvolver uma ponte entre Espanha e a América Latina. As suas peças encontram-se traduzidas em italiano, alemão e francês.

FICHA TÉCNICA

Autor: David Foster Wallace

Versão teatral: Daniel Veronese

Diretor: Daniel Veronese

Elenco: Marcelo Subiotto, Luis Ziembrowski

Assistente de Direção: Adriana Roffi

Desenho de Imagen: Papier Studio

Desenho de luz: Ricardo Sica

Desenho especial: Daniel Veronese

Fotos: Romani alemán

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 14 ANOS

DURAÇÃO: 60 MIN

Camila Guerra e Édi Oliveira – DF

Entrada franca

Espetáculo gratuito.

Sem necessidade de retirada antecipada de ingresso. Sugerimos chegar uma hora antes para garantir lugar.

Solo de dança-teatro que trata sobre as opressões, desafios, a ancestralidade, sonhos e lutas que envolvem o feminino em vários contextos, um recorte poético e reflexivo sobre a violência de gênero seja no ocidente ou no oriente. O trabalho é inspirado no livro “Syngué Sabour: pedra de paciência”, do escritor franco-afegão Atiq Rahimi, e no filme A Pedra da Paciência, também dirigido pelo autor, para refletir sobre a tirania e a objetificação sofridas pelas mulheres no mundo. 

CAMILA GUERRA – Atriz, bacharel em interpretação teatral pelo Departamento de Artes Cênicas da Universidade de Brasília (UnB). Dedica-se ao teatro desde 1995 e é uma das fundadoras da ATA – Agrupação Teatral Amacaca, companhia dirigida por Hugo Rodas (recentemente falecido), com a qual vem desenvolvendo espetáculos desde 2011.

ÉDI OLIVEIRA – Graduado e Mestre em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília, ator, bailarino, coreógrafo, professor de dança e fundador e diretor artístico do Dançapequena – Grupo de Dança Contemporânea desde 2000. Em seu trajeto profissional, atuou nas companhias, Anti Satus Quo Cia. De Dança e o BasiraH.

FICHA TÉCNICA

Idealização e Coordenação Geral: Camila Guerra

Concepção e Direção: Édi Oliveira

Intérprete-Criadora: Camila Guerra

Coreografias: Édi Oliveira e Camila Guerra

Colab Dramatúrgica: Ana Flávia Garcia, Camila Guerra, Édi Oliveira

Textos: Ana Flávia Garcia e Camila Guerra

Assistência de Direção: Juliana Drummond

Figurinos e Cenografia: Roustang Carrilho

Iluminação: Dalton Camargos

Pesquisa e Seleção Musical: Édi Oliveira

Montagem de Trilha: Quizzik

Produção Executiva: Kaká Carvalho

Foto: Diego Bresani

Artista Visual: Isabella Galvão

Design Gráfico: Cristhian Soroh

Direção Audiovisual e Câmera: Claudio Braga

Edição e Finalização: Cláudio Braga

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 18 ANOS

DURAÇÃO: 90 MIN

Andreia Duarte – RJ, SP, BH

Nós somos caçadores de beleza. Quando nós pintamos o nosso corpo, estamos trazendo para esse suporte os espectros da criação. Nós queremos ser reconhecidos por eles, por isso imitamos a beleza da natureza. Nós somos espelhos da criação.

AILTON KRENAK

Criação coletiva de artistas indígenas e não indígenas, o espetáculo que nasceu do encontro e trocas artísticas entre a atriz e pesquisadora Andreia Duarte e líderes, pensadores e artistas indígenas, como Ailton Krenak, Davi Kopenawa, Denilson Baniwa, Jaider Esbell, Naine Terena, Zahy Guajaraja e tantos outros.

O trabalho é um desdobramento dos conceitos apresentados na palestra-performance de Ailton Krenak “O Silêncio do Mundo”, que evidencia não o tempo cronológico e a lógica de produtividade ocidental e sim um tempo dilatado, que expande as possibilidades de comunicação entre os seres humanos e os outros seres do planeta. “Antes do Tempo Existir” desmistifica o papel tradicional do texto no teatro, entendendo a dramaturgia como um conjunto de sentidos propostos por todos elementos cênicos – projeção sonora visual, música, artes plásticas, performance, oralidade, canto e dança. A ideia é adentrar na percepção da memória indígena a partir da qual é possível conectar-se com tudo o que é vivo: animais, plantas, montanhas, floresta, o céu. Os povos indígenas sabem que sendo a Terra um ambiente vivo é preciso manter uma dinâmica de negociação com os perigos que existem – o terremoto, o trovão, a torrente da chuva, o sol excessivo, as doenças etc. 

ANDREIA DUARTE - Artista, curadora, produtora e pesquisadora em teatro. Morou cinco anos no Parque Indígena do Xingu com os Kamayura e desde então trabalha como apoiadora à causa indígena completando 20 anos de realizações. É doutoranda pela USP/ECA onde estuda Teatro e os Povos Indígenas. Trabalha há 5 anos como Coordenadora dos Eixos Reflexivo e Pedagógico da MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo. É diretora e co-curadora ao lado de Ailton Krenak da Mostra artística TePI – Teatro e os povos indígenas. Está realizando com Krenak o livro “Longa história de negação” pela Cia das Letras, uma biografia coletiva e conceitual do líder indígena.

FICHA TÉCNICA

Direção Geral e Concepção: Andreia Duarte

Direção Cênica: Kenia Dias e Ricardo Alves Jr

Dramaturgia: Andreia Duarte, Kenia Dias e Ricardo Alves Jr

Textos: Artistas em cena

Criação Coletiva: Todos artistas envolvidos

Destaque para Jaider Esbell (in memorian) e Zahy Guajajara que estiveram presentes na primeira imersão

Artistas Em Cena: Andreia Duarte, Lilly Baniwa, Rosa Peixoto

​Assistente de direção e iluminação: Lucas Pradino

Trilha sonora: Barulhista

Espaço cênico e figurino: Renato Bolelli

Cosmos e performance Pajé Onça: Denilson Baniwa

Oficina de voz: Silvana Stein

Produção: Juliana Pautilla

Criação de vídeo e coordenação técnica: Rodrigo Gava

Cenotécnica e costura: Enrique Casas

Operação de luz e vídeo: Lucas Pradino, Ricardo Barbosa

Fotografia: Amanda Dafoe, Francio De Holanda, Guto Muniz, Paulo Salles, Ricardo Alves Jr, Silvia Machado

​Comunicação visual + desenvolvimento do site: Casaplanta | Amanda Dafoe

Parceria: Casaplanta, Móbili,  Sp Escola de Teatro, Translapas

Apoio Cultural: Goethe-Institut e Biblioteca Mário De Andrade

Correalização: Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo através da Lei de Emergência Cultural Aldir Blanc e Mitsp - Mostra Internacional de Teatro de São Paulo

Realização: Outra Margem

OUTRA MARGEM

Direção: Andreia Duarte

Colaboração Curatorial e Produção: Luna Rosa Recaldes

Administração e Produção: Arami Argüello

Mídias: Olívia Maia

Comunicação visual e design: Casaplanta - Amanda Dafoe

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: LIVRE

DURAÇÃO: 80 MINUTOS

Tiziano Cruz (Argentina)

Esta obra foi coproduzida pelo FIBA - Festival Internacional de Buenos Aires, estreando no último mês de março. Sobre ela diz Tiziano Cruz:  "Um artista chega do campo dançando pelas ruas nos teatros aos quais não poderá ter acesso por sua condição de negritude. Como ser migrante num mesmo território? Esta biografia indaga, na memória coletiva de um povo do norte da Argentina, uma sociedade que enaltece uma política de branqueamento. Reflete e questiona o papel do artista contemporâneo, sobre os espaços de reconhecimento, sobre as concessões diante das instituições de poder, para chegar, se é que há um lugar para chegar: Minha casa da infância está queimando. E é o fogo que faz arder o espanto de uma vida que não é vida. O fogo permite suportar o frito da solidão e da indiferença.

A primeira parte do espetáculo é realizada na rua e conta com a participação especial do Bumba Meu Boi do Seu Teodoro.

TIZIANO CRUZ – Artista interdisciplinar, sua obra transita entre a linguagem visual e teatral, a performance, a intervenção em espaços públicos, a gestão e mediação cultural em instituições públicas e privadas na Argentina, México, Brasil, Uruguai e Chile.

BUMBA MEU BOI DO SEU TEODORO – Movimento cultural brasileiro, sediado em Sobradinho, no Distrito Federal, e tombado como patrimônio imaterial.

FICHA TÉCNICA

Direção geral, dramaturgia e interpretação: Tiziano Cruz

Revisão de texto: Hugo Miranda Campos 

Composição, desenho, programação e realização sonora:  Luciano Giambastiani 

Desenho de vídeo: Matías Gutiérrez 

Desenho de iluminação: Matías Ramos. 

Fotografia: Mariano Barrientos 

Participação especial: Bumba Meu Boi do Seu Teodoro 

Direção de arte: Uriel Cistaro 

Colaboração artística: Rodrigo Herrera 

Produção artística: Luciana Iovane 

Produção executiva: Ulmus 

Gestão Cultural, Direção de Arte e Desenho de Figurino: Uriel Cistaro 

Realização de figurino: Vega Cardozo Luisa Fernanda e Luciana Iovane 

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 12 ANOS

DURAÇÃO: 90 MINUTOS

Grupo Tripé – DF

Uma investigação sobre as relações humanas e amorosas das novas gerações. Analisando o estilo de vida dos jovens dos dias de hoje, o grupo explora a relação entre três pessoas que decidiram sair de casa e morar juntas. Ao longo do tempo, a convivência entre elas é abalada por conflitos do dia a dia, trazendo questionamentos sobre amor, monogamia, sexualidade, gênero. O trabalho leva para a cena livres adaptações de textos de Beatriz Roedel e Juliana Motter, Caio Fernando Abreu, Tchekov, Moliére e Fabrício Carpinejar, além de textos e uma trilha sonora original. 

GRUPO TRIPÉ – Com 10 anos de trabalho continuado, o Grupo Tripé iniciou sua trajetória misturando experiências das escolas de teatro da capital com referências acadêmicas da Universidade de Brasília. Os processos, a criação e a administração do grupo são influenciados pelos conceitos de teatro de grupo e teatro em estado de encontro, marcados também pela construção de dramaturgias autorais, uso da iluminação como ferramenta de criação e a discussão de questões ligadas à juventude.

FICHA TÉCNICA

Direção: Grupo Tripé

Texto: Grupo Tripé, Beatriz Roedel, Juliana Motter e livres adaptações de Caio Fernando Abreu, Tchekov, Moliére e Carpinejar

Dramaturgia: Grupo Tripé e Nine

Elenco: Ana Quintas, Gustavo Haeser, João Pedreira e Nine

Iluminação: Ana Quintas e Grupo Tripé

Trilha Sonora Original: João Pedreira

Figurinos: Fernanda Alpino e Grupo Tripé

Cenografia: Grupo Tripé

Design Gráfico: Gabriel Guirá

Fotos: Nina Quintana

Equipe De Criação: Ana Quintas, Davi Maia, Gustavo Haeser e João Pedreira

Direção De Produção: Gustavo Haeser

Produção Associada: Elisa Mattos | Desvio Produções Culturais

Agradecimentos: Casa Dos Quatro, Ultra Martini e Zé Reis

Realização: Grupo Tripé

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 14 ANOS

DURAÇÃO: 60 MIN